La reconocida galería fue fundada por los exdirectores de las divisiones de arte moderno, impresionista y contemporáneo de Sotheby’s en todo el mundo.
Del 3 de febrero al 5 de marzo, la galería neoyoquina Mitchell-Innes & Nash abrirá su nuevo espacio de exhibición temporal, con su primera presentación en la Ciudad de México de la muestra “Olvido, Sombra, Nada”.
Esta exposición se conforma de obras de Tiona Nekkia McClodden, Lucas Samaras y Paul Mpagi Sepuya, donde los artistas exploran la tensión entre los actos de ocultación y revelación presentes en las distintas maneras de retrato que utilizan.
La exposición debut de Mitchell-Innes & Nash en la Ciudad de México estará abierta al público del 3 de febrero al 5 de marzo en la planta baja y patio central de la Galería Hilario Galguera, en la Colonia San Rafael, de manera previa a la Semana de la Zona Maco.
La exhibición toma su título prestado del poema “Espejo”, una obra temprana de Octavio Paz que considera la comprensión e incomprensión del yo a través de distintos lentes de reflexión.
Cada uno de los artistas de la exposición cuestiona cómo la oscuridad deliberada, por parcial que pueda ser, complica las formas en que la reflexión opera como intención.
En la serie “Sitting”, de Lucas Samaras (1978-80) –diez piezas podrán ser vistas en la muestra– el artista se inserta en las sombras de la composición. Los retratos Polaroid de artistas, curadores, críticos y amigos posando desnudos fueron tomados en su estudio de Nueva York, y fueron marcadamente controvertidos en su momento, ya que Samaras alentó el colapso de los roles entre modelo y fotógrafo.
Paul Mpagi Sepuya también se inspira en su comunidad de artistas, amantes, amigos y escritores para reflexionar sobre las complejidades del deseo y la colaboración. Incorporando gruesas telas negras, pantallas translúcidas, espejos manchados y la figura, el artista destaca las consideraciones formales de captura, ocultación y exposición al interior de sitios específicos en lugares queer. Al igual que con la serie “Studio”, el artista juega con las implicaciones de la tensión y el deseo en las obras de “Screen”, donde complica o realza estas sensibilidades perfilando las figuras con una pantalla translúcida y perforando esa misma pantalla, por la que sólo la lente de la cámara queda expuesta. Aquí los métodos formales de oscuridad se utilizan como un modo de descubrir emociones mucho menos táctiles.
Este hilo de deseo y retrato a través de la revelación se extiende a los objetos de Tiona Nekkia McClodden. Podemos ver varios objetos de cuero ennegrecidos mediante el boleado: el acto sumiso de pulir zapatos de cuero hasta un nivel de hiperbrillo. Los objetos resultantes documentan un intercambio particular –aquí la subjetividad de la artista como una persona abiertamente dominante cambia– y proporciona una cualidad reflexiva física para el espectador y las obras circundantes. “Se te subió el santo? (Are you in a trance?)” se presenta por primera vez como un set completo de 65 copias. Filmados durante diez días en Iowa, los autorretratos funcionan como una salida del armario para McClodden, quien escribe al respecto: «mi intención era hacer un autorretrato que presentara un yo completo, implícito de mi género, raza, sexualidad y espiritualidad mientras destruye y desafía otras identidades a la vez”.
De este modo la artista asume la costumbre del enmascaramiento como método necesario para completar un acto de revelación. “Olvido, Sombra, Nada” marca la primera exposición de McClodden bajo la representación de Mitchell-Innes & Nash.
Tiona Nekkia McClodden (1981, Blytheville, EE.UU.) es una artista visual, cineasta y curadora cuyo trabajo explora y critica problemas ubicados en las intersecciones entre raza, género, sexualidad y comentarios sociales. Su enfoque interdisciplinario atraviesa el cine documental, el video experimental, la escultura y las instalaciones sonoras. Sus obras se han exhibido en todo el mundo, incluyendo el Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; el Museo Whitney de Nueva York; la Haus der Kulturen der Welt en Berlín; el MOCA, Los Ángeles; el MCA, Chicago y el MoMA PS1, Nueva York, entre otros. Más recientemente recibió la beca de escritores de artes Andy Warhol 2021, la beca de artes de Princeton 2021-2023, un Premio Bucksbaum por su trabajo en la Bienal de Whitney de 2019 y una beca Guggenheim en Bellas Artes (2019), entre otros.
Lucas Samaras (1936, Macedonia, Grecia) es mejor conocido por una obra que se centra en el cuerpo y la psique, a menudo enfatizando la autobiografía. Haciendo un gesto hacia una investigación más amplia de autorreflexión en su trabajo, que se encuentra en sus salas de espejos, autorretratos y la creación de espejos digitales, la práctica de Samaras actúa como una extensión de su cuerpo mientras subraya las posibilidades transformadoras de lo cotidiano: un verdadero desdibujamiento del arte y la vida. Ha participado en importantes exposiciones en el MoMA de Nueva York; el Museo Kunstverein en Hannover; el Albright-Knox, Búfalo, EE.UU.; el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York; la Bienal de Venecia; y el Museo de Arte de Yokohama, Japón.
Paul Mpagi Sepuya (1982, San Bernardino, EE.UU.) es un artista visual cuyo trabajo destaca la naturaleza construida del documento fotográfico y el espacio performativo del estudio fotográfico, aprovechando los potenciales de fragmentación y conexión del medio. En los primeros estudios de Sepuya sobre las formas humanas los sujetos se encuentran enredados en intercambios creativos y anhelantes. Al revelar sus propias herramientas y aparatos Sepuya presenta escenas artificiales y enigmáticas que
plantean preguntas sobre los procesos de exposición y ocultación del medio, la relación entre superficie y profundidad, y la conexión entre la lente y el espejo como dispositivos de captura y reflexión. El trabajo de Sepuya ha sido objeto de exposiciones en CAM, St. Louis, EE.UU.; el Studio Museum en Harlem, EE.UU.; el Fotomuseum de Ámsterdam; el MOCA, Los Ángeles; el ICA Filadelfia.; el MoMA, Nueva York; y el New Museum de Nueva York.
Sobre Mitchell-Innes & Nash
Fundada por Lucy Mitchell-Innes y David Nash, quienes anteriormente dirigieron las divisiones de arte moderno, impresionista y contemporáneo de Sotheby’s en todo el mundo, Mitchell-Innes & Nash ubica a artistas contemporáneos ejemplares dentro de un contexto histórico, revelando una continuidad de ideas y virtuosismo estético desde el arte moderno hasta la actualidad. Lucy Mitchell-Innes también es miembro del comité de selección de Art Basel y expresidenta de Art Dealers Association of America.
El reconocido programa de exhibición de Mitchell-Innes & Nash fomenta la excelencia dentro de la práctica artística, mientras forja un diálogo informado entre artistas emergentes y establecidos con reconocimiento internacional. Desde estudios aclamados de maestros del siglo X, como Jean Arp, Anthony Caro, Nancy Graves, Willem de Kooning, Leon Kossoff, Kenneth Noland, Roy Lichtenstein y Nicolas de Stael, hasta exposiciones individuales de Sarah Braman, Keltie Ferris, Daniel Lefcourt, Eddie Martinez, Pope.L, Martha Rosler y Jessica Stockholder, Mitchell-Innes & Nash tiene experiencia comprobada tanto en el avance de las carreras de artistas emergentes como en el mantenimiento del estándar superior de artistas establecidos.
Visita esta muestra del 3 de febrero al 5 de marzo en su ubicación temporal, dentro de la Galería Hilario Galguera, ubicada en Francisco Pimentel 3, Colonia San Rafael en la Ciudad de México.
Sitio web: www.miandn.com
Instagram: @miandn
Facebook: @mitchellinnesandnash
Fotos: Cortesía
