La cantante y compositora ganadora del GRAMMY habla sobre las experiencias que dieron forma a su nuevo álbum y por qué está «más segura de sí misma» que nunca.
BIANCA GRACIA | GRAMMYS
«Veo todo en cámara lenta, como una escena de película», canta Alessia Cara en «Slow Motion», uno de los sencillos de su nuevo álbum, Love & Hyperbole. Es una declaración apropiada para la cantante y compositora, cuya música se ha sentido cinematográfica desde su gran éxito de 2015, «Here». Sus letras poéticas pintan grandes historias, llevando a los oyentes a través de cada emoción, y su nuevo álbum explora estos sentimientos más profundamente.
Love & Hyperbole es el álbum más emotivo de Cara hasta la fecha, lo cual no es una coincidencia. Comenzó a trabajar en ello unos meses después del lanzamiento de su set de 2021, In The Meantime. En ese período de casi cuatro años, comenzó una nueva relación y se conectó aún más consigo misma como compositora y mujer.
Inspirándose en los sonidos exuberantes y alegres de sus artistas favoritos como Fleetwood Mac y los Beatles,, la composición y los ritmos que se encuentran en Love & Hyperbole son Cara en su forma más sofisticada. La tierna balada «(Isn’t It) Obvious» (que presenta un apasionado solo de guitarra de John Mayer) habla de cómo aferrarse a la esperanza en una relación a larga distancia, mientras que «Dead Man» cierra con dureza un capítulo de una relación fallida; «Feels Right» apuesta cálidamente por un nuevo amor, mientras que «Night Time Thing» captura la pura felicidad de la vida.
Los fanáticos han visto a Cara emerger de su caparazón a lo largo de su carrera, desde su introvertido debut en «Here» y el álbum The Pains of Growing de 2018, hasta lo que ella llama su fase de «vida intermedia» de In the Meantime. En Love & Hyperbole, su madurez se refleja en su voz imponente y su lirismo más introspectivo.
«Cuando escribes algo, no sabes qué impactará a la gente. No sabes si tendrá algún sentido. Así que es reconfortante y validador escuchar que se percibe y que se ve el crecimiento allí», le dice Cara a GRAMMY.com. «Sólo espero que la gente pueda verse a sí misma en él y en partes de sus vidas. Ya sea que tengan veintitantos, veintitantos o se acerquen a los veinte, sólo espero que puedan aprender algo de ello. Este álbum es un recuento de mi vida, pero también espero que [ellos] vean que es un recuento de la suya hasta cierto punto».
Antes del lanzamiento del álbum, Cara conversó con GRAMMY.com sobre el capítulo de «seguridad en sí mismo» que influyó en Love & Hyperbole, el genio de John Mayer, y la importancia de grabar el álbum en vivo.
Al escuchar este álbum, la primera palabra que me vino a la mente fue «riqueza» por la instrumentación y tu voz. También tus visuales, con los tonos más oscuros de los rojos y negros color vino. Quería saber si esa riqueza era más intencional para esta ronda.
Gracias por notarlo. Definitivamente, esto es algo que quería representar visualmente de una manera que pareciera un paso adelante con respecto a lo que hice en el pasado, y también un reinicio. Sólo quería diferenciarme de las otras cosas que he hecho.
También quería que plasmara visualmente los temas de los que hablo, que son el amor y el crecimiento. Y hay un poco de esta sensación sonora de sofisticación. Quería representar envejecer un poco y sentir emociones un poco más ricas, como dijiste.
En el pasado, jugué con muchos colores brillantes. Las portadas de mis tres álbumes [anteriores] eran mucho más brillantes y usaban más pasteles que parecían un poco surrealistas. Y este [álbum] se sintió un poco más arraigado sonoramente.
El álbum suena como si lo escribieras sin dudarlo. En la promoción de tu álbum, mencionaste que al principio te resultó un desafío escribir sobre el amor de una manera positiva. Pero a lo largo de Love & Hyperbole, te vuelves más vulnerable contigo mismo.
Creo que parte de la razón por la que me costaba volver a escribir al principio fue exactamente lo que dijiste: tuve que reposicionar un poco mi voz. Realmente no estaba acostumbrado a escribir sobre las cosas en un sentido más positivo. Así que a mitad del álbum, cuando las cosas empezaron a mejorar un poco, a ser más felices y más coloridas en mi vida, estaba luchando [para descubrir] cómo poner ojos nuevos en estas nuevas experiencias de una manera que todavía se sintiera como yo y no se sintiera cursi. [Me gusta] ¿cómo obtengo el mismo resultado de este nuevo sentimiento o este nuevo ímpetu?
Fue un desafío, pero creo que tenía que escribir mi camino para superarlo. Di lo honesto que me parezca más auténtico y mira qué pasaría cuando arrojara pintura al lienzo.
Creo que cuando eres más honesto y pruebas cosas que te parecen reales, seguramente encontrarás algo que funcione y que sea un punto medio feliz. Me llevó un poco de tiempo porque no es un lugar desde el que estoy acostumbrado a escribir.
Tampoco es un lugar cómodo. Incluso cuando escribo en mi diario, a veces es difícil transmitir esos sentimientos. Pero fue genial escuchar lo honesto que eres en este álbum. Creo que eso es un reflejo de que tienes más confianza. En canciones como «Box in the Ocean» y «Shape Shifter» de In The Meantime de 2021, cuestionabas el amor. Pero con Love & Hyperbole, estás más seguro de ti mismo con la idea.
Por supuesto, y creo que eso se debe a que estoy más seguro de cómo me siento acerca de mí mismo y de cómo veo la vida. Es una versión cincelada de lo que fue In The Meantime. Le he dado forma un poco más a la arcilla. Tengo un mejor conocimiento de mí mismo y más confianza en mí mismo, lo que me ha permitido tener más confianza en el amor.
Estoy seguro de que lo entiendes con tu diario: no necesitas desahogarte cuando estás feliz. Así que no tienes que expulsar estas emociones cuando no hay nada realmente malo que decir. Simplemente no estamos acostumbrados a quejarnos cuando las cosas van bien. Así que encontrar tu voz de esa manera puede ser un desafío. Pero fue un buen desafío y fue divertido explorar ese lado de mí.
También grabasteis el disco en directo. ¿Era la primera vez que hacías eso?
Me encanta la instrumentación en vivo, así que he tenido muchos instrumentos en vivo en mis proyectos anteriores. Pero éste fue predominantemente en vivo. El 90 por ciento de la batería estaba en vivo. El 90 por ciento de los instrumentos eran en vivo. Y por supuesto, mi voz.
Siempre canto en vivo de principio a fin y elegimos las partes que nos gustan. Pero canté tomas completas en vivo tanto como pude, solo para que pareciera una actuación. Quería que este álbum pareciera una actuación completa con todos en la sala juntos.
Saliendo del título mismo de Love and Hyperbole, tener esos grandes instrumentos (las trompetas y los solos de guitarra) se apoya en todos estos grandes sentimientos que estás expresando en el álbum. El sonido es tan sencillo. Eso puede ser producto de que fue en vivo, pero también te inspiró tu amor por los Beatles y Fleetwood Mac. Hay una facilidad al escucharlo.
Así es como intenté abordar la mayor parte de este álbum. Con la excepción de las primeras canciones donde todavía sentía mucha tensión. Inicialmente es una continuación del último álbum, pero luego quería que eventualmente comenzara a sentir que se había puesto tranquilidad en mi vida porque así es como me sentí durante todo el proceso. Una vez que me metí en el ritmo, simplemente intentaba dejar que las cosas se movieran y simplemente disfrutarlas. Incluso si tenía muchas preguntas temáticas, e incluso si había mucho miedo e inseguridades. Me acerqué con un «¿y qué?» sentido.
Esto es con lo que estoy lidiando. Esto es por lo que he pasado. Y en lugar de decir: «¿Qué voy a hacer al respecto?» Traté de hacerlo sentir como: «Es lo que es». Entonces lo abordé de esa manera. Me alegro de que también se transmita sonoramente.
FOTO: ALEX LOUCAS
